Pintura

Philip Guston: Expresionismo abstracto y Escuela de Nueva York

junio 7, 2019

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Philip Guston

Nació en Montréal, Canadá, el 27 de julio de 1913.
Pintor adscrito a la Escuela de Nueva York, al igual que numerosos pintores del expresionismo abstracto, entre ellos Jackson Pollock y Willem de Kooning; a diferencia de Pollock y de Kooning, Guston provenía de una tradición de pintura figurativa en la que se refleja la admiración por los maestros antiguos, como Piero della Francesca, Paolo Uccello y Francisco de Goya.

Hijo de padres judíos ucranianos que habían escapado de la persecución nazi, cuando huyeron a Canadá desde Odessa, Ucrania.

Él y su familia sufrieron las actividades del Ku Klux Klan contra judíos , negros y otros que tuvieron lugar en toda California, en 1923, es posible que ésto, unido a la dificultad para conseguir trabajo, llevaron a su padre a ahorcarse en el cobertizo, siendo el joven Guston, el que encontró el cuerpo.

Su arte primitivo inicial, fue figurativo y representativo.
Comenzó a pintar en 1927, cuando contaba con 14 años de edad; se inscribió en el Los Angeles Manual Arts High School.

Tanto él como Jackson Pollock estudiaron bajo la tutela de Frederick John de St. Vrain Schwankovsky, que les introdujo en el arte europeo que se practicaba en ese momento, la filosofía oriental , la teosofía y la literatura mística.

En septiembre de 1935 se trasladó a Nueva York, donde trabajó como artista del WPA, durante la Gran Depresión. En 1937 se casó con el artista y poeta Musa McKim, a quien conoció en Otis, y colaboraron en varios murales de WPA.

También en esta década conoció al pintor metafísico italiano Giorgio de Chirico, que sería una influencia poderosa y duradera.

Durante este período su trabajo incluyó fuertes referencias a pintores del Renacimiento como Piero della Francesca , Paolo Uccello, Masaccio y Giotto di Bondone.

También fue influenciado por los regionalistas estadounidenses y los pintores murales mexicanos. En 1938, pintó un mural de la oficina postal en la oficina postal de los Estados Unidos en Commerce, Georgia, titulada «Servicio de correo temprano y la construcción de ferrocarriles».

Se inició como docente en la Escuela de Arte e Historia del Arte en la Universidad de Iowa, de 1941 a 1945. Allí completó un mural para el edificio de la Seguridad Social en Washington, DC.

Continuó con la enseñanza en la Universidad de Nueva York, y en el Instituto Pratt en Brooklyn.

Expuso por primera vez de forma individual, individual en 1944.
En la década de 1950, alcanzó el éxito y el reconocimiento como expresionista abstracto de la primera generación, aunque él prefirió el término Escuela de Nueva York.

Durante este período, sus pinturas a menudo consistían en bloques y masas de trazos gestuales y marcas de color que flotaban en el plano de la imagen como se ve en «Zona», de 1953-1954.

Estas obras, con marcas a menudo agrupadas hacia el centro de la composición, recuerdan las composiciones de «más y menos» de Piet Mondrian o los lienzos de nenúfares de Claude Monet.

En la década de 1960 su estilo tomó un giro radical, adoptando un lenguaje figurativo, con un estilo muy personal y que practicaría hasta su muerte.

Así, abandonó, lo que se conoció como «abstracción pura» del expresionismo abstracto en favor de un estilo más cercano a los comics, para mostrar diferentes símbolos y objetos de la vida cotidiana, y de esta forma volver a representar al hombre común en la escena artística de su tiempo.

En 1967 se mudó a Woodstock, Nueva York . Estaba cada vez más frustrado con la abstracción y comenzó a pintar de nuevo de manera representativa, pero de una manera personal y de dibujos animados.

La primera exposición de estas nuevas pinturas figurativas se celebró en 1970, en la Galería Marlborough de Nueva York. Recibió críticas mordaces de la mayoría de los establecimientos artísticos.

De manera memorable, el crítico de arte del New York Times, Hilton Kramer, ridiculizó el nuevo estilo de Guston en un artículo titulado «Un mandarín que pretende ser un Stumblebum»; uno de los pocos que comprendió al instante la importancia de estas pinturas fue el pintor Willem de Kooning.

Fruto de este rechazo, de su nuevo estilo, se aisló aún más en Woodstock, lejos del mundo artístico que tan mal había entendido su arte.

Su contrato con la galería Marlborough no se renovó y, tras un breve período sin ningún distribuidor, se unió a la recientemente inaugurada Galería David McKee en la ciudad de Nueva York, permaneciendo fiel a esa galería hasta el final de su vida.

En 1960, en el apogeo de su actividad como abstraccionista, Guston dijo: «Hay algo ridículo en el mito que heredamos del arte abstracto. Esa pintura es autónoma, pura y por sí misma, por lo tanto, habitualmente analizamos sus ingredientes y definimos sus límites. Pero la pintura es «impura». Es el ajuste de las «impurezas» lo que fuerza su continuidad. Somos creadores de imágenes y estamos «cargados de imágenes»; desde 1968 en adelante, después de alejarse del abstraccionismo, hizo de estas palabras su lema.

En esta etapa, creó un léxico de imágenes como Klansmen, bombillas, zapatos, cigarrillos y relojes.

A finales de 2009, la galería McKee, el histórico marchante de Guston, montó una muestra que revelaba ese léxico en 49 pequeñas pinturas al óleo en un panel pintado entre 1969 y 1972 que nunca se habían exhibido públicamente en conjunto.

Guston es mayormente conocido en el mundo, por estas tardías pinturas existenciales y lúgubres, que en el momento de su muerte en 1980, habían alcanzado al gran público y encontraron una gran aceptación popular.

En sus imágenes tétricas y existenciales, pasado 1968, fueron realizadas con una paleta de colores muy limitada.

De 1973 a 1978, realizó un seminario mensual para graduados en la Universidad de Boston.

En su última etapa, intentó expandir su paleta y reintroducir la abstracción en su trabajo, como se puede ver en algunos de sus trabajos sin título de 1980, que tienen más azules y amarillos.

Murió Woodstock, Nueva York,  el 7 de junio de 1980, cuando contaba con 66 años de dad, de un ataque al corazón. Tras su muerte, fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño como Académico Asociado.

Su obra está representada en los más importantes museos de Arte Moderno y Contemporáneo de todo el mundo, entre ellos, el Instituto de Arte de Chicago, el Instituto de Arte de Detroit, el Museo de Arte de Honolulu, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Museo de Arte Moderno (MoMA), el El Museo de Arte Moderno de Fort Worth, el Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection in Albany, El museo Reina Sofía de Madrid y la Tate Modern de Londres.

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